Manuel Jesús Pineda, fotógrafo.

diciembre 20202.

En febrero de 2019 tuvimos la gentileza de acompañarnos por Manuel Jesús Pineda, el cual nos presentó su libro de fotografías “Ausencias”, una grata tarde para disfrutar de verdadera fotografía y de lo que un gran fotógrafo nos tenía que contar.

Manuel Jesús Pineda, fotógrafo jerezano, el cual nos tiene acostumbrado a una fotografía muy humana, que nos enseña a la persona en sí misma e inmiscuidas en sus mundos.

Manuel Jesús Pineda entiende como yo, la fotografía como lenguaje y con ellas pretende contarnos historias, sus historias y las de aquellos que fotografía.

Espero que muy pronto Manuel Jesús nos premie con un nuevo libro, con un nuevo proyecto que contarnos.

Ahora leamos lo que Manuel Jesús tiene que contarnos.

  • ¿Cuánto tiempo llevas fotografiando y como se te ocurrió expresarte con la fotografía?

Con cámara y con intencionalidad de autoría llevaré entre 15  y 20 años. Sin ella, desde la infancia, pues desde pequeño siempre fui muy observador de todo lo que pasaba a mi alrededor. Esa experiencia visual y vivencial que vas acumulando es a lo que en un momento dado le das forma a través de un medio expresivo. Primero y durante muchos años Lo canalicé a través de la palabra poética para gradualmente en un proceso natural la palabra transformarse en imagen, al descubrir que el medio fotográfico se adaptaba mejor en ese tiempo a mis capacidades y necesidad expresiva.

  • Hace ya mucho tiempo que los fotógrafos y amantes de la fotografía, reclaman por incluir a la fotografía en las bellas artes ¿Cuál es tu opinión?

Es una polémica en cierta manera estéril, pues actualmente el rótulo arte ha perdido su sentido original más o menos definido pasando a ser un término intencionadamente ambiguo y de uso especulativo por un mercado que domina y rotula arbitrariamente con este calificativo dichas actividades con fines no siempre loables. De todas formas como consideración particular yo distinguiría para todas las disciplinas artísticas entre trabajos o realizaciones sustantivas y adjetivas. Las sustantivas serían eso que llamamos arte y tiene mucho que ver con la trascendencia (no la ruptura) de lo formal, la universalidad de los códigos, y la originalidad. Lo adjetivo en el arte sería lo meramente imitativo, decorativo, espontáneo o ideológico que hoy en día es lo habitual. Por tanto, la fotografía como medio expresivo (prefiero este rótulo) puede ser arte (me refiero a un trabajo fotográfico no a una sola fotografía) aunque la mayoría de las veces no lo sea. 

  • ¿Crees que la fotografía es un testimonio humano en una situación determinada, resultante de la decisión del fotógrafo en la creencia de que debe ser registrada?

Si entiendo bien la pregunta te podría decir que la fotografía humanista es aquella donde prima el documento, el testimonio de una realidad dada donde el fotógrafo decide acudir y como mostrarla.  De todas formas, esa decisión siempre está determinada por el uso privado o público al que vaya dirigido.

  • ¿Qué le da sentido a una fotografía en cuanto a ser fotografía?

Genéricamente no podría contestarte pues tendría que saber a qué tipo de fotografía nos referimos (documental, poética, conceptual…) ya que el sentido que pueda poseer dichas fotografías varía según la intencionalidad o el uso que le da el autor. En la fotografía que yo realizo intento que el sentido vaya implícito en la propia imagen, que sea ella misma a través de sus cualidades formales y materiales la que hable, más allá del que yo pueda inferirle exteriormente a través de la palabra explicativa. Ese sentido no es estanco, sino que conforme la obra es percibida o acogida, según la sensibilidad del receptor, puede variar o ampliarse de diferente forma a la original. Uno propone (finis operandis) y la obra resultante dispone (finis operis)

  • ¿Qué es lo que amplía y hace vibrar el mensaje de, como fotógrafo, has decidido registrar ese momento preciso, ese mensaje?

Lo que amplía el contenido expresivo que toda imagen guarda por su forma y contenido es su poder evocativo, es decir que represente algo más de lo que muestra. También como dije antes su carácter universal, reconocible, humano. Que no se quede en el mero documento, sino que lo transcienda.

  • ¿La fotografía tiene lenguaje propio o está determinado por el lenguaje del mismo fotógrafo o del fotografiado?

La fotografía más allá de lo fotografiado y del autor solo existe como virtualidad. El autor al elegir el tema y la forma de materializarlo imprime y  sella su propio estilo, que no su lenguaje, pues la fotografía como tal no comunica, transmite información, emoción, conocimiento etc.… pero la concordancia entre lo que el autor o la obra quiera decir o diga y lo que le llega al espectador no siempre se manifiesta de forma unívoca ni como dije antes se recibe por igual.

  • ¿Crees que una fotografía, como lenguaje, puede ser un arma que puede ser utilizada contra el mismo fotógrafo?

Puede ser, siempre que por parte de colectivos, empresas o instituciones se pervierta o manipule el sentido de las fotografías de un autor sin su consentimiento para fines lucrativos, publicitarios, ideológicos etc…

  • ¿Cuáles son las características fundamentales de tu obra?

Repasando un poco mi trayectoria y las series más representativas podría encuadrarme dentro de la fotografía de base real, no intervenida y de componente documental poético. Una clasificación propia que puede resumir  a grandes rasgos mi actividad fotográfica. La peculiaridad más reseñable de mi estilo podría ser que todas mis series se localizan en un mismo emplazamiento o lugar, al que intento sacarle el máximo jugo formal como expresivo y donde la figura o el rostro del hombre siempre está presente.

  • Hablemos de ellas. “Puntos suspensivos” y “Ausencias” ¿Cómo llegaron a ser realidades?

Puntos suspensivos es mi primer trabajo con una cierta consistencia. Está realizado precisamente en Cádiz y su realización me llevó unas cuantas visitas a este lugar durante dos años. Juego con un elemento común unificador y simbólico, los puntos y aunque la figura humana está presente el elemento espacial urbano y su simbología formal es preeminente. Tiene una carga estética bastante acentuada.

Ausencias ha sido un trabajo mucho más dilatado en el tiempo y extenso. Casi diez años de acudir a paradas de autobús en las noches de lluvia para tratar de capturar esos momentos en los que pasajeros  quedan ensimismados en sus pensamientos, sueños o deseos. Un proceso largo donde su propio desarrollo conformó la idea y el concepto final materializado en el libro.

  • ¿Por qué te decidiste a publicar Ausencias?

Bueno creo que era el trabajo más unitario y extenso para que pudiera materializarse como libro. También era la manera de darlo por terminado, pues seguía postergando su finalización en la búsqueda de nuevos rostros y miradas que completaran el trabajo. De hecho, una vez maquetado y casi para ir a imprenta incluí tres fotografías que había hecho dos días antes. La fisonomía de los rostros, las miradas, la variedad de expresiones y la vida interior que reflejan siempre me han fascinado y este trabajo en cierta manera es un homenaje, un acto de amor a todas esas personas anónimas.

  • ¿Háblanos de “Minueto” y de “Polisemia

Son dos series que se desarrollan en el ámbito urbano. Minuetto es una pieza corta (de ahí su nombre) y resalta a través del cristal opaco de una parada de bus las figuras que tras ella esperan o se refugian de las inclemencias del tiempo.

Polisemia es un conjunto de imágenes también del ámbito urbano, pero más disperso, pues no guarda una coherencia formal, aunque como todos mis trabajos las geometrías de los espacios, los fondos neutros, la escasez de elementos y el fuerte contraste nocturno son preeminentes.

  • ¿Y sobre “Adagios” y “Alter”?

Adagios es una serie que la forman piezas fotográficas individuales que fijan momentos atemporales del suceder cotidiano, fundamentalmente en interiores. En alter intento rescatar perfiles de rostros en primer plano de personajes anónimos que transitan por la ciudad.

  • Toda tu obra es en blanco y negro ¿Por qué?

La razón principal es por su carácter sintético y abstracto que le imprime un sello poético al separarse de lo real y explícito. También ha podido influir que toda mi infancia y juventud tanto la fotografía, la televisión como el cine era en blanco y negro. 

  • Fotolibro vs exposición ¿Qué tiene el uno que no la otra y viceversa?

Junto al audiovisual son las tres formas en la que se puede presentar un trabajo fotográfico. En mi caso prefiero el libro, tanto por su tamaño, versatilidad, corporalidad, permanencia y privacidad en su disfrute. Es como una exposición de bolsillo. Te permite desarrollar a través de la secuenciación y maquetación toda una serie de posibilidades expresivas al combinar, enfrentar, alternar diferentes imágenes, siendo este proceso muy fecundo y gratificante.

La exposición no deja de ser un acto social que casi siempre reduce su trascendencia y audiencia al día de la inauguración. Otro hándicap es su coste de producción, los problemas logísticos y su temporalidad.

  • ¿Por qué he de atreverme a plantearme llevar mis proyectos a un folotlibro?

Creo que solo se debe plantear cuando realmente tengas una serie o un trabajo de cierta homogeneidad y consistencia. Un libro de fotografía no debería ser un simple contenedor de imágenes deshilvanadas y eterogéneas sino una plataforma que facilite cargar de sentido unitario y rotundo a las fotografías que por sí solas no pueden poseer.

  • Un consejo para los fotógrafos que no se atreven a exponer ni a publicar.

No hay que tener prisa por mostrar tu obra, pero tampoco debes guardarla en el cajón, pues los trabajos se hacen para enseñarlos. Por ello creo que es conveniente ponerse metas y tiempos concretos para llegar a ellas, pues esto nos obliga, motiva y  empuja en épocas de desidia o pereza a completar los trabajos, pulirlos y ponerles fin. Y una de las formas para cumplir estas metas es  tener en mente la materialización de tu obra en un fotolibro, exposición o audiovisual. Ahora bien, para ello hay que trabajar duro y constante, no conformarse con las primeras fotos o maquetas y no perder nunca la visión crítica sobre tu trabajo.



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