Paco Rosso , Fotógrafo.

noviembre 2020.

Conocí a Paco Rosso hace ya bastantes años, más de diez, en la escuela de fotografía de la UCA. Me sorprendió sobremanera su pericia con la iluminación y su fotografía tan personalmente atractiva, limpias, bien compuestas, todo profesionalmente impecable, pero también con mucho mensaje. Un fotógrafo de altos vuelos, aficionado y profesional a la vez, profesor de fotografía en ciclos superiores de formación profesional de imagen y en diversas escuelas de fotografía. Muy prolífico y generoso en ofrecer sus numerosos apuntes sobre fotografía e iluminación sólo con poner en el buscador Paco Rosso.

Hoy tenemos, en SOLARTE, la gran suerte de tenerlo entre nuestras filas y, como siempre, generosamente se presta a abrirse en esta nueva entrevista.

Leamos pues a Paco Rosso.

Fotógrafo de brocha gorda, te defines así ¿Qué quieres decir con ello?

Es una expresión que le leí a Cesar Toimil cuando los fotoclubs en internet era el IRC-Hispano. Decíamos que la fotografía no era un arte ni falta que le hacía. Hay pintores de pincel y pintores de brocha gorda, el que encala paredes: pues lo mismo pero en fotografía; sin aspiraciones artísticas, entendiendo que la fotografía puede ser mucho más que mero arte y rechazando la obligación de solo poder hacer arte.

¿Qué es para Paco Rosso la fotografía? ¿Cómo la defines?

La fotografía es  la imagen producida por la luz y captada con una cámara oscura. Entiendo que para otros fotógrafos la fotografía es la obra plástica creada con la luz, lo cual incluye en esa categoría el fotograma y similares, que yo pienso que en realidad son grabados. Soy de la opinión de que para ser fotografía tiene que haber una cámara oscura, dentro la que se proyecta una escena.

Además entiendo que una fotografía no tiene por qué ser una captación (que no «captura» como los informáticos quieren que digamos), no tiene por qué ser una captación de una realidad que estemos obligados a respetar. Puedes plantear una fotografía en tres «contextos»: la escena, la cámara y el laboratorio. Siempre partes de la cámara oscura y siempre trabajas cada uno de los tres contextos en cierta medida. En el de escena trabajas la colocación de las figuras y su expresión dentro de un espacio  y la disposición de las luces. En el de cámara trabajas la estación fotográfica (posición, orientación, ángulo de visión) y la exposición (sensibilidad, diafragma, velocidad de obturación, curva característica de trabajo, respuesta al color, etc). En el de laboratorio trabajas sobre la imagen captada.

Más focos y menos plug-ing es una de tus sentencias más contundente ¿Explícanos por qué?

La frase nació como respuesta  a la obra de una fotógrafa con la que comparto el sentimiento de no aguantarnos mutuamente. Además, hace referencia a apostar, en mi trabajo, por dar más atención a la iluminación que al procesado. Y también a bastante coraje el que me da cuando se quiere reducir la luz a un efecto de postpro que podría haberse planteado desde el principio. Hace referencia en cierto grado a esas herramientas de «Iluminación» que aparecen en Photoshop ¿Siguen existiendo?
Al final, a lo que se refiere es, como título de mi blog, a que el contenido se va a basar sobre todo en iluminación y cámara y no tanto a postpro.

¿Cómo construyes la luz?

Normalmente cuando hago localización parto de la luz ambiente, que uso como referencia y base, y a la que superpongo el mínimo de luz indispensable para completar la luz que quiero tener. Cuando hago estudio, donde parto de oscuro, me gusta comenzar con una luz base que ilumina toda la escena y me ofrece el tono de las sombras y a esa le añado la luz principal para dar dirección y modelado. Casi nunca parto de la luz principal y le añado un relleno para aclarar, sino que empiezo con la luz de las sombras y a esa le sumo la luz principal y las que hagan falta para dar cuenta de lo que quiero hacer.

¿Qué cualidades debe tener el retrato? ¿Qué recomiendas para fotografiar correctamente un retrato con el mínimo material posible?

El retrato es la imagen de una persona en la que seleccionamos algunas de sus cualidades que permitan identificarla. Así que mi consejo siempre es elegir esas cualidades y centrarnos en ellas. Un retrato es un punto dentro de un triángulo cuyos vértices son quien la persona sea para sus familiares y amigos (allegados se dice hoy), quien la persona sea para el público en general y quien la persona aspira a ser. Osea los roles privado, público e iconográfico. Así que es más cuestión de elegir qué quieres decir que de qué equipo vas a usar. Basta una cámara, un objetivo apropiado (angular si quieres integrar la figura en el paisaje, normal si quieres centrarte en la figura y tele si quieres aislarla o incrustarla en el entorno) y una ventana a una hora apropiada del día. No hace falta más material: cámara y luz. La escena viene sola.

¿Prefieres el posado o la espontaneidad en el retrato?

Siempre espontaneo. No me gusta dirigir, prefiero llevarme la cámara a la cara y esperar. Para Cartier Bresson un retrato solo lo es cuando la persona mira a la cámara, pero creo que puede ser de muchas otras maneras. En mi foto de danza siempre le digo a las bailarinas «No poses, baila», la idea en retrato es la misma, la frase que más empleo es «pasa de mi», y espero que lo hagan. Dice Francastel que cuando haces un retrato entramos en un estado que llama «realidad suspendida» en el que la persona que se retrata deja de mostrar quien es para representar lo que entiende que es una persona que se hace un retrato; suspende por un momento su realidad para actuar como «persona que se hace una foto». Trato de evitar ese estado.

Incluso en exteriores ¿Empleas siempre la luz artificial?

Depende del día. Llevar los focos es engorroso, me gusta pasear con la cámara y ya está, pero para muchas de mis fotos en exteriores si que suelo usar luz artificial, flash, pero añadido de manera que lleve la escena de como es a como me hace falta que sea para poder fotografiarla.  Al final consiste en añadir luz sin que parezca que la has añadido. La idea que uso la formulé hace años, aunque no he llegado a publicarla, y la llamo «espacios con requisitos fotográficos».  La luz para una foto tiene unas condiciones técnicas: nivel, contraste y color, que no tienen por qué darse en el sitio en el que estás cuando quieres hacer una foto, así que puedes hacer tres cosas: aguantarte y usar la escena tal cual está, poner tus luces y anular la luz del sitio o intervenir la escena adaptándola de las condiciones que tiene a las condiciones que necesitas sin desvirtualizarla.

Has publicado un libro sobre iluminación en fotografía <<Control de la iluminación>> ¿Por que te decidiste a escribirlo y qué podremos encontrar en su páginas?

Bueno este es mi tercer libro.  Es un libro de texto para uno de los módulos del ciclo de FP de imagen. Los módulos es lo que antiguamente se llamaban «asignaturas». En este ciclo hay tres módulos de iluminación escénica y he escrito libros para dos de ellas, «luminotecnia» y «control de iluminación» En el libro expongo el módulo tal como yo lo imparto cuando me toca este módulo. ¿Por qué decidí escribirlo? Porque no había libros sobre la materia; de este ciclo de FP por el momento solo hay tres libros, dos de control uno de los cuales es mío y otro de luminotecnia que también es mío. ¿Lo que podemos encontrar? Pues una introducción a la iluminación, válida para audiovisuales, fotografía y escénica, una introducción a la iluminación escénica y otra a la iluminación de cine y vídeo.

Andas con un proyecto fotográfico que tiene ya varios años, Un paseo por la danza ¿Porqué este proyecto y hasta cuándo lo tendrás abierto?

El proyecto lo comencé  en 2012 aunque los dos primeros años los pasé informándome y estudiando historia y estética de la danza. Hice las primeras tomas en junio de 2014 con la intención de hacer fotos hasta 2016 y pasar entonces a mover la colección.  Vamos por 2020 y aún no he comenzado a buscar un destino para las fotos.

¿Por qué este proyecto? Pues estaba buscando un tema al que poder dedicarme como fotografía de stock en el muy previsible caso de que dejara la empresa para la que trabajaba. El stock solo funciona si te especializas. Además, necesitaba ilustrar temas de iluminación  y fotografía para mis clases así que decidí centrarme en danza, que es un tema que me encanta, en el que había trabajado hace tiempo (entre 1988 y 1992) y te permite mucha libertad en la interpretación de los temas. Es muy sugerente e inspirador y te empuja a hacer cosas nuevas siempre.

El desnudo ¿Qué te cuenta el cuerpo humano?

El desnudo es sobre todo forma. No hago un desnudo de vecinitas, ni erótico sino que busco en el cuerpo una forma maleable que cambia de aspecto bajo la luz. Mi desnudo suele ser de fondo neutro y sin accesorios en la figura. Como un jarrón  que iluminas pero que tiene vida y personalidad propia y cambia de forma sobre la marcha. El desnudo tiene en la historia del arte como significado «verdad».

¿Qué es para ti la enseñanza, qué quieres alcanzar con ella?

La enseñanza es una manera de sacar a flote la verborrea, la incansable actitud de hablar para que alguien te escuche, y en clase el alumno no se puede escapar y tiene que aguantarte… No venga, fuera cachondeo, no lo se. Sabes cosas, o no sabes cosas y tratas de comprenderlas y cuando medio te crees que las entiendes tratas de que los demás también las sepan. La enseñanza nace de aprender y de querer transmitir lo que has aprendido. Cuando empecé a escribir en revistas mis artículos trataban sobre temas que me hubiera gustado leer en las revistas y para los que suponía que habría otra gente a las que, como yo, les podrían interesar. Dar clases es lo mismo ¿De qué sirve investigar y aprender, solucionar problemas, crear un sistema coherente de conocimientos si después se va a quedar en tu cabeza? Entonces te planteas que igual le puede interesar a otra gente y escribes sobre ellos. Dar clases es el segundo paso para transmitir ese conocimiento, el primero es escribir, pero de escribir no se vive (llevo tres libros, unas cuantas docenas de artículos en varias revistas y te da para tomar un café con los amigos).

¿Se pueden predecir los límites de la fotografía?

Los gurús y profetas solo sirven para vender las marcas que los patrocinan. Un límite solo puede conocerse cuando lo superas o te quedas a su vera. Decía Recuenco que aprender es como coger una barca en la playa para ir al horizonte, cuando penetras en el mar el horizonte se aleja; tu sigues adelante intentado llegar a él pero pierdes la orilla, estás más lejos de donde creías que estaba el horizonte y éste sigue allí al fondo, a lo lejos. No puedes poner límites, tienen vida propia y se colocan el la parte del universo que les da la gana, siempre lejos de ti.

“La fotografía como arte…”, afirma Sasha Stone, “…es un terreno muy peligroso” ¿Estás o no de acuerdo con ello, en todo caso, por qué?

No se qué es el arte ¿No es eso que se vende en el mercado del arte? Creo que el problema del arte es como sugiere Wittgenstein, hablando de otras cosas, un problema de falta de definición adecuada de la palabra, lo que nos permite disertar y divagar sin limite sobre él. Por tanto, el terreno peligroso de la fotografía creo que no tiene tanto que ver con que quieras entenderla como arte como con que puedes disertar durante horas sobre nada pretendiendo decirlo todo.

Walter Benjamin dice que: << No el que ignore la escritura, sino el que ignore la fotografía será el analfabeto del futuro>> ¿Danos tu opinión sobre esta sentencia? y ¿Creer que no será menos analfabeto aquel fotógrafo que no sepa leer su propia fotografía?

 Ahora mismo se ve que es así ¿No? ¿Cuanta gente no sabe leer? Quiero decir, si saben leer, pero no ejercen, no entienden lo que leen si no está escrito con frases cortas en presente de indicativo. Por otra parte, la fotografía no es comunicación y entra más en la categoría de obra abierta que cerrada. Si tomas como inherente a la fotografía su cualidad metonímica, lo cual es del todo discutible, el campo semántico en el que se mueve la imagen depende totalmente de la persona que lee la foto y no tanto de la persona que la escribe. Una foto tiene tres lectores: el síncrono, que es el que comparte la cultura de quien ha escrito la foto y por tanto puede hacer una lectura de la misma más o menos acertada, el segundo lector es el asíncrono, que no comparte la misma cultura y puede ser coetáneo o no. En el primer caso es una persona que está viva cuando tu lo estás pero que al no compartir los mismos referentes ni lenguaje hace una lectura totalmente diferente de ti. En el segundo caso la persona no comparte los referentes porque vive en una época diferente. La fotografía no es un párrafo de un mensaje que pueda o deba ser decodificado o comprendido, no tiene por qué ser comunicación; la fotografía puede ser expresión, es decir, sensaciones metidas en una lata que cuando se destapa puede que no sean las mismas que se metieron. Es la diferencia entre comunicación y expresión, metes sardinas en una lata y la comunicación saca sardinas, la expresión saca espárragos u olor a jazmines. No hay lectura univoca de una foto, interpretaciones diferentes no significa que seamos analfabetos, sino que somos capaces de crear nuestros propios mundos y entender de diferente manera el que vivimos. No tiene nada que ver con la alfabetización sino con la socialización: ese proceso por el que el niño recién nacido se convierte en un adulto experto en la cultura en la que crece. No podemos reducir la fotografía a arte, pero tampoco a comunicación. Podemos hacer arte, o comunicación con ella, además de muchas otras cosas, pero no podemos establecer que la fotografía tenga que ser únicamente arte o comunicación. Es el problema de cuando hablan niños de escuela de arte o de facultad de periodismo, que creen que el mundo se reduce a su estrecho campo de visión.

Un consejo para los que comienzan este arduo camino de la fotografía.

Que se planteen qué tipo de fotógrafo quieren ser. ¿Quieren vivir de esto? (tienen que hacer buenas las fotos que le pidan sus clientes) ¿Quieres usarla como medio de expresión personal? (pueden hacer buenas las fotos que les gustan a ellos) ¿Quieren usarla como medio para investigar su mundo? (Tienen que hacer fotos que entiendan los demás) ¿Quieres usarla como pasatiempo para ocupar tus horas libres? Cada tipo de fotografía que quieras hacer te va a pedir cosas diferentes. En general, diría que no se dejaran confundir por la idea de que la fotografía solo puede ser arte y solo puedes aspirar a ser artista; que es tu mirada y no la máquina. Que  no tomen la fotografía como un medio mecánico de reproducción para suplir las carencias que tengas de dibujo; que si quieres ser pintor o pintora, pintes, que si quieres ser fotógrafo, no imites otras artes plásticas.




http://www.antidanza.com/

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